“Daimon” is not merely another album added to ADVERSAM’s career as a reflex of progression, but rather a narrative of inner collapse and transformation. In this interview, the band opens the door to a journey that extends from the psychological layers of their music to the darker dynamics of their creative process. Through this conversation, you will be taken directly into the mental and sonic universe behind “Daimon”

Greetings to the whole band, and thank you for accepting our invitation and being our guests. If you're ready, let's dive right into the conversation.

After a relatively long interval between releases, “Daimon” does not present itself as a mere continuation of your previous work, but rather as a conscious evolution of your artistic identity. At what moment did you realize that this album had developed its own distinct voice?

The transition toward Daimon is the result of a silent gestation, whose roots are deeply planted in our previous chapter, Insight. It was precisely that work that laid the foundation for the evolutionary path that led us here, opening the first, fundamental glimpses into the psychological and sonic investigation we offer today.

We never felt the need to replicate tested formulas; we realized that this album was different from the very first compositions, and even more so during the arrangement stages. The sonic violence was no longer just an emotional outlet, but a guided descent into the depths of the unconscious. At that moment, we understood that the album did not shape up to be a mere sequel, but a completely autonomous entity, endowed with its own distinct and pressing expressive urgency.

The title “Daimon” evokes the idea of an inner guide, of a driving force, or perhaps even of a shadow. Was this concept the starting point for the album from the very beginning, or did the thematic framework emerge gradually during the writing process?

The concept of the Daimon was born as a latent intuition, an underground force that guided the first phase of composition. We didn't start from a rigid, pre-packaged conceptual structure; rather, it was the music itself, with its tensions and dark openings, that evoked this figure. As the tracks took shape, we realized we were translating the archetype of the inner guide into notes—that invisible bond connecting the conscious Ego to the abyss of the Shadow. The thematic framework thus revealed itself, asserting itself as an inevitable necessity.

Many black metal bands explore themes such as darkness, transcendence, or spirituality. In your case, however, these topics seem to be approached through a psychological lens rather than a religious one. What formats or concepts fascinate you so much about the Shadow, the unconscious, or individuation?

The religious perspective often tends to impose dogmas, pre-packaged answers, and a rigid moral dichotomy between good and evil. Analytical psychology, on the contrary, explores the labyrinth of the human soul without preconceived judgments. Concepts like the Shadow, the unconscious, or the individuation process fascinate us because they represent the true, extreme frontier of the unknown. The Shadow is not a metaphysical "evil" to be defeated, but a vital part of the self that has been repressed and demands to be heard.

Black metal, when stripped of its most naive or theatrical clichés, becomes the ideal tool of investigation to map this inner abyss. We are interested in exploring what pulses beneath the surface of the rational Ego, the direct confrontation with those primordial forces that guide our steps without our knowledge. It is undoubtedly an unsettling journey, but we believe it is the only path capable of leading to a real, authentic, and total self-knowledge.

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“Fall of Illusions” opens the album with extraordinary intensity. Why did you choose this specific track to introduce the record? Do you consider it a gateway to the conceptual and emotional world of “Daimon”?

Structuring the beginning of an album requires a track that acts as a true initiatory threshold. "Fall of Illusions" possesses the right vehemence to tear apart the veil of ordinary reality. Choosing it as the opening track means welcoming the listener with a sharp rupture: the fall of illusions is the necessary act to delve, defenseless, into the psychological and unsettling territory of Daimon. It is the ideal gateway for this journey.

One of the most striking qualities of the album is the balance between aggressive tremolo-picked riffs and atmospheric synthesizer layers. Many bands tend to lean either toward raw extremism or a grandiose symphonic excess. How do ADVERSAM find the point where the atmosphere amplifies the violence rather than diluting it?

For us, atmosphere is not a decorative element used to smooth out the edges, but a multiplier of darkness. The synthesizers do not serve to create a symphonic or pompous lyricism, but rather to generate that density we define as "murky". We firmly believe that maturity and true compositional capability lie in knowing how to create complex and layered sonic textures between guitars and keyboards, without one component necessarily overpowering the other.

When a tremolo-picked riff merges with a well-calibrated synth backdrop, the two elements support each other in an equal dialogue: the sonic violence is not softened, but projected into an immense and empty space, making it deeper and more oppressive. The balance lies in considering the electronic instrument not as a superficial embellishment, but as an extension of the abrasiveness and texture of the guitars themselves.

Tracks like “Echoes of Pain” and “Dead Inside, Alive For a Lie” feature subtle melodic nuances within an otherwise relentless and aggressive structure. Are these moments consciously designed as points of contrast, or do they emerge more intuitively during the writing phase?

These passages emerge predominantly intuitively, mirroring the unpredictable movements of the psyche. However, we believe that what is born from pure instinct must be carefully controlled and managed to truly express its full potential. The human mind never experiences a flat, monochromatic anguish; there are moments of ruthless clarity, glimmers of melancholy, or sudden collapses. In tracks like "Echoes of Pain" and "Dead Inside, Alive For a Lie", those subtle melodic variations are not structural gimmicks, but the natural breathing of the song. The contrast serves to make the subsequent ferocity even more impactful.

The drumming on “Daimon” often gives a sense of almost mechanical precision, constantly driving the tracks forward. What role does speed play in your music today? Is it primarily an expression of aggressiveness, a form of ecstasy, or a tool to generate tension?

Speed, in our current conception, has ceased to be a mere exhibition of physical vigor or blind rage. On Daimon, the drums act as a hypnotic beat, a ritualistic cadence that serves to generate a constant and obsessive tension. That almost geometric and relentless precision is the ideal tool to induce an altered state in the listener—a form of dark ecstasy where time seems to contract, pushing the track and the mind toward their psychological limit.

“Essence of Existence” stands out as one of the most intriguing moments on the album because the listener's perception shifts without the overall momentum collapsing entirely. What makes this track so significant within the broader structure and narrative of the album?

"Essence of Existence" represents the emotional centerpiece of the album. It is the moment when the journey shifts from a frontal assault to enter a more reflective and alienating dimension, without losing a single shred of dramatic tension. Within the narrative of Daimon, this track embodies the awakening of consciousness, the point where the Ego experiences the vertigo of encountering its hidden side. Its importance lies precisely in this shift of perspective, which redefines the flow of the entire work.

Compared to many contemporary productions, “Daimon” appears focused and controlled. Rather than relying on an overwhelming wall of sound, the album seems to prioritize clarity and intentionality. What were your guiding principles regarding the production, mixing, and general sonic character of the record?

Our guiding principles focused on the desire to give the record a sharp yet profound character, far removed from chaos for chaos's sake. When we handle our production, we avoid a generically "dirty" sound; instead, we seek an aesthetic we would define as "corroded" regarding the texture of the guitars, or "murky" when referring to the overall atmosphere. We wanted an abrasive, primordial sound stripped of modern filters, capable of striking the listener while maintaining total clarity of intent, where every dynamic and sonic layer serves the intrinsic drama of the songs.

Synthesizers have been part of your sound for many years now, yet ADVERSAM are rarely associated with the symphonic black metal label. Do you ever feel that this aspect of your music is often misunderstood?

Anyone looking for the classic canons of symphonic black metal—understood as orchestral epicness, grandiosity, or gothic atmospheres—will inevitably be thrown off by our work, as our approach moves in a diametrically opposite direction. For ADVERSAM, synths are the ultimate expression of the Daimon's voice: they vibrate on the exact same frequencies as the shadow and possess the ability to touch and destabilize the deepest states of consciousness.

We are aware that not everyone is ready to welcome them, precisely because they require a predisposition to inner listening that goes far beyond mere entertainment. Ours is a rigorous pursuit, based on a meticulous selection of sounds and on targeted, surgical interventions, designed exclusively to integrate with the darkness of the composition. We are light-years away from pompous sounds and classical derivations; for us, synths are smoke, fog, and frequencies meant to amplify psychic unrest.

ADVERSAM have existed since the mid-1990s. Looking back at the band's journey, which artistic principles have remained unchanged over the years, and which ideas about black metal have you instead consciously abandoned?

What has remained absolutely unchanged since the mid-90s is the integrity of our intent: the idea that black metal is a profound, demanding, and uncompromising art form. Truth be told, ADVERSAM have never embodied the superficial clichés associated with youth rebellion or anti-religiosity. Ours has always been an analytical and refined approach to these themes: we haven't abandoned anything, but rather processed it over time until reaching our vision today. We are aware that the true confrontation with the Shadow does not take place through the mere exhibition of profane symbols, but in the deepest recesses of the human mind.

“Daimon” deals deeply with inner transformation and psychological confrontation. Are there any lyrics, themes, or passages on the album that you feel are particularly personal or emotionally significant to you?

Since Daimon is such an introspective work, every single lyric holds a strong personal value. More than any single passage, it is the entire lyrical architecture of the album that is significant: the way it addresses the collapse of certainties and the subsequent descent into the unconscious mirrors inner dynamics that we have experienced firsthand and channeled into art. It is a record born out of the necessity to give a visible and sonic form to real inner aspects, making the entire experience extremely vivid for us.

“The Collapse Within” feels like the culmination of many of the album's central ideas. Did you know from the start that this track would close the record, or were there other candidates for that position?

"The Collapse Within" was from the beginning to occupy the final slot; there were never any doubts or other candidates. Right from the title, it evokes that inner collapse that ideally closes the circle opened by "Fall of Illusions". If the album begins with the destruction of external illusions, it must necessarily end with the implosion of the internal barriers of the Ego. It is the perfect seal, a ruthless catharsis that leaves the listener in silence and contemplation among the ruins of their own consciousness.

Black metal has become increasingly diversified over the years, ranging from the rawest underground expressions to avant-garde and post-metal interpretations. Where do you place ADVERSAM within the contemporary black metal landscape?

We consider ourselves to be in an isolated and, in a sense, timeless position. We do not belong to the nostalgic current that blindly replicates the sound of past decades, but we don't feel fully part of the trendier post-metal or avant-garde offshoots either. We place ourselves in an autonomous space, where the genre's primordial rawness meets a rigorous psychological and conceptual depth. We do not care about where we fit on the map of today's market; we only care that our proposal remains authentic and unsettling.

You have never given the impression of releasing music simply to remain visible or relevant. In today's music industry, is maintaining this distance from the pressure to constantly put out material more of a luxury or a necessity?

More than a luxury, maintaining this distance is a vital necessity for us to preserve the integrity and depth of our work. In the era of hyper-connectivity and the bulimic consumption of music, the industry imposes a constant presence, forcing artists to continuously churn out content just to avoid being forgotten by social media algorithms or streaming platforms. Yielding to this frenzy, as far as we are concerned, would mean stripping away the very meaning of our art.

The black metal we conceive needs silence, isolation, and long periods of inner settling. Releasing an album only when we have something authentic, urgent, and visceral to communicate is not a whim, but the only way to ensure that the final work is dense, necessary, and free of fillers. We vastly prefer temporary oblivion to the superficiality of a forced omnipresence: our music is designed to challenge and resist time, not to cater to the fleeting and standardized flow of the market.

The Italian metal scene—particularly its underground branch—has evolved in parallel with the global one, consistently managing to bring highly distinctive and niche bands to general attention. Many could name several unique Italian bands without much hesitation. As a band that has been part of this scene for decades, what do you think are the defining characteristics that differentiate the Italian metal scene from that of other countries?

The Italian underground scene has always possessed an extraordinary peculiarity: an innate dramatic, almost theatrical attitude, combined with a profound artistic and historical sensitivity. We live immersed in a country where the stratification of the past, the majesty of the architecture, and the contrast between the sacred and the profane are everywhere. This cultural baggage is inevitably reflected in the darkest Italian bands, which are rarely flat or derivative. There is a constant search for identity, an urgency to express a cultured and tormented darkness that clearly differentiates us from scenes that are perhaps more standardized or focused exclusively on technical impact.

If listeners were to take away just one thought, emotion, or awareness after experiencing “Daimon” from start to finish, what do you hope it would be? Finally, would you like to leave a closing message for the readers discovering you through this interview and for those who already follow your work?

With Daimon, we wish to reach that discerning audience that does not look for simple musical consumption, but for a transformative experience. We want this record to be perceived as a benchmark for those who believe that black metal is still a profound, psychological, and unsettling art form. Our goal is not numbers, but the persistence of the message over time. Being here today, bearing witness to a proposal darker and more powerful than before, represents the most authentic validation of our journey.

We deeply thank you for this space and for the depth of your questions, which allowed us to dissect the most authentic and hidden essence of our work. To those reading these lines who feel a calling toward the unexplored territories of their own minds, we extend an invitation to approach Daimon not as a distracted listening, but as a true threshold to be crossed. Let these frequencies pass through you, and discover which part of you will answer from the darkness.


Traduzione italiana qui sotto

“Daimon” non è semplicemente un altro album aggiunto alla carriera degli ADVERSAM come riflesso di progressione, ma piuttosto un racconto di crollo interiore e trasformazione. In questa intervista, la band apre le porte a un viaggio che si estende dagli strati psicologici della loro musica fino alle dinamiche più oscure del loro processo creativo. Attraverso questa conversazione, sarete condotti direttamente nell’universo mentale e sonoro dietro “Daimon”.

Un saluto a tutta la band e grazie per aver accettato il nostro invito e per essere nostri ospiti.
Se vi va, entriamo subito nel vivo della conversazione.

Dopo un intervallo relativamente lungo tra le uscite, “Daimon” non si presenta come la semplice continuazione del vostro lavoro precedente, quanto piuttosto come una consapevole evoluzione della vostra identità artistica. In quale momento vi siete resi conto che questo album aveva sviluppato una propria voce distinta?

La transizione verso Daimon è il frutto di una gestazione silenziosa, le cui radici affondano nel nostro capitolo precedente, Insight. È stato proprio quel lavoro a gettare le basi per il percorso evolutivo che ci ha condotti fin qui, aprendo i primi, fondamentali squarci verso l'indagine psicologica e sonora che oggi proponiamo.

Non abbiamo mai avvertito l'esigenza di replicare formule già collaudate; ci siamo resi conto che questo album era diverso fin dalle prime composizioni e ancora di più nelle fasi di arrangiamento. La violenza sonora non era più solo uno sfogo emotivo, ma una discesa guidata verso i meandri dell'inconscio. In quel momento abbiamo compreso che il disco non si configurava come un semplice seguito, ma come un'entità del tutto autonoma, dotata di una propria e distinta urgenza espressiva.

Il titolo “Daimon” evoca l’idea di una guida interiore, di una forza motrice o forse persino di un’ombra. Questo concetto è stato il punto di partenza dell'album fin dall'inizio, o la cornice tematica è emersa gradualmente durante il processo di scrittura?

Il concetto del Daimon è nato come un'intuizione latente, una forza sotterranea che ha guidato la prima fase di composizione. Non siamo partiti da una rigida struttura concettuale preconfezionata; piuttosto, è stata la musica stessa, con le sue tensioni e le sue aperture oscure, a evocare questa figura. Man mano che i brani prendevano forma, abbiamo compreso che stavamo traducendo in note l'archetipo della guida interiore, quel legame invisibile che unisce l'Io cosciente all'abisso dell'Ombra. Il quadro tematico si è così rivelato da sé, imponendosi come una necessità inevitabile.

Molte band black metal esplorano temi come l'oscurità, la trascendenza o la spiritualità. Nel vostro caso, tuttavia, questi argomenti sembrano essere affrontati attraverso una lente più psicologica che religiosa. Che cosa vi affascina così tanto di concetti come l'Ombra, l'inconscio o l'individuazione?

La prospettiva religiosa tende spesso a imporre dogmi, risposte preconfezionate e una rigida dicotomia morale tra bene e male. La psicologia analitica, al contrario, esplora il labirinto dell'animo umano senza giudizi preconcetti. Concetti come l'Ombra, l'inconscio o il processo di individuazione ci affascinano perché rappresentano la vera ed estrema frontiera dell'ignoto. L'Ombra non è un "male" metafisico da sconfiggere, ma una parte vitale del sé che è stata rimossa e che reclama ascolto. Il black metal, quando viene spogliato dei suoi cliché più ingenui o teatrali, diventa lo strumento d'indagine ideale per mappare questo abisso interiore. Ci interessa l'esplorazione di ciò che pulsa sotto la superficie dell'Io razionale, il confronto diretto con quelle forze primordiali che guidano i nostri passi a nostra insaputa. È un viaggio indubbiamente perturbante, ma lo riteniamo l'unico percorso capace di condurre a una reale, autentica e totale conoscenza di sé.

“Fall of Illusions” apre l'album con un'intensità straordinaria. Perché avete scelto proprio questo brano per introdurre il disco? Lo considerate una porta d'accesso al mondo concettuale ed emotivo di “Daimon”?

Sceneggiare l'inizio di un album richiede una traccia che funga da vera e propria soglia iniziatica. Fall of Illusions possiede la giusta veemenza per squarciare il velo della realtà ordinaria. Sceglierla come apertura significa accogliere l'ascoltatore con una frattura netta: la caduta delle illusioni è l'atto necessario per potersi addentrare, senza difese, nel territorio psicologico e perturbante di Daimon. È il varco ideale per questo viaggio.

Una delle qualità più sorprendenti dell'album è l'equilibrio tra riff aggressivi in tremolo picking e tappeti atmosferici di sintetizzatore. Molte band tendono a propendere o verso l'estremismo più grezzo o verso un grandioso eccesso sinfonico. In che modo gli ADVERSAM trovano il punto in cui l'atmosfera amplifica la violenza anziché attenuarla?

Per noi l'atmosfera non è un elemento decorativo utile a smussare gli angoli, ma un moltiplicatore di oscurità. I synth non servono a creare un lirismo sinfonico o pomposo, bensì a generare quella densità che definiamo "torbida". Crediamo fermamente che la maturità e la reale capacità compositiva risiedano nel saper creare intrecci sonori complessi e stratificati tra chitarre e tastiere, senza che l'una componente debba necessariamente sovrastare l'altra.

Quando un riff in tremolo picking si fonde con un tappeto di synth ben calibrato, i due elementi si sostengono a vicenda in un dialogo paritario: la violenza sonora non viene addolcita, ma proiettata in uno spazio immenso e vuoto, rendendola più profonda e opprimente. L'equilibrio sta nel considerare lo strumento elettronico non come un abbellimento superficiale, ma come un'estensione stessa dell'abrasività e della tessitura delle chitarre.

Brani come “Echoes of Pain” e “Dead Inside, Alive For a Lie” presentano sfumature melodiche sottili all'interno di una struttura altrimenti implacabile e aggressiva. Questi momenti sono studiati consapevolmente come punti di contrasto o emergono in modo più intuitivo durante la fase di scrittura?

Questi passaggi emergono in modo prevalentemente intuitivo, specchio dei movimenti imprevedibili della psiche. Tuttavia, crediamo che quello che nasce dall'istinto vada controllato e gestito per esprimere al meglio il suo potenziale. La mente umana non sperimenta mai un'angoscia piatta e monocromatica; ci sono momenti di lucidità spietata, spiragli di malinconia o improvvisi cedimenti. In brani come Echoes of Pain e Dead Inside, Alive For a Lie, quelle sottili variazioni melodiche non sono artifici strutturali, ma il respiro naturale del pezzo. Il contrasto serve a rendere la ferocia successiva ancora più impattante.

La batteria su “Daimon” dà spesso una sensazione di precisione quasi meccanica, spingendo costantemente i brani in avanti. Che ruolo gioca la velocità nella vostra musica oggi? È principalmente un'espressione di aggressività, una forma di estasi o uno strumento per generare tensione?

La velocità, nella nostra concezione attuale, ha smesso di essere una mera esibizione di vigore fisico o di rabbia cieca. In Daimon la batteria agisce come un battito ipnotico, una scansione rituale che serve a generare una tensione costante e ossessiva. Quella precisione quasi geometrica e implacabile è lo strumento ideale per indurre uno stato di alterazione nell'ascoltatore, una forma di estasi oscura in cui il tempo sembra contrarsi, spingendo il brano e la mente verso il proprio limite psicologico.

“Essence of Existence” si distingue come uno dei momenti più intriganti dell'album, perché la percezione dell'ascoltatore cambia senza che lo slancio generale crolli del tutto. Cosa rende questo brano così significativo all'interno della struttura e della narrazione più ampia dell'album?

Essence of Existence rappresenta il baricentro emotivo del disco. È il momento in cui il viaggio devia dall'assalto frontale per addentrarsi in una dimensione più riflessiva e straniante, senza tuttavia perdere un briciolo di tensione drammatica. All'interno della narrazione di Daimon, questo brano incarna la presa di coscienza, il punto in cui l'Io sperimenta la vertigine dell'incontro con la propria parte nascosta. La sua importanza sta proprio in questo mutamento di prospettiva, che ridefinisce l'andamento dell'intera opera.

Rispetto a molte produzioni contemporanee, “Daimon” appare mirato e controllato. Piuttosto che affidarsi a un muro di suono opprimente, l'album sembra dare priorità alla chiarezza e all'intenzionalità. Quali sono stati i vostri principi guida per quanto riguarda la produzione, il missaggio e il carattere sonoro generale del disco?

I nostri principi guida si sono concentrati sulla volontà di dare al disco un carattere nitido ma profondo, lontano dal caos fine a se stesso. Quando curiamo la nostra produzione, evitiamo un sound genericamente "sporco"; cerchiamo piuttosto un'estetica che definiremmo "corrosa" per quanto riguarda la consistenza delle chitarre, o "torbida" se ci riferiamo all'atmosfera generale. Volevamo un suono abrasivo e privo di filtri moderni, capace di colpire l'ascoltatore pur mantenendo una totale chiarezza d'intenti, in cui ogni dinamica e ogni strato sonoro assecondino la drammaticità intrinseca dei pezzi.

I sintetizzatori fanno parte del vostro sound ormai da molti anni, eppure gli ADVERSAM vengono raramente associati all'etichetta del symphonic black metal. Avete mai la sensazione che questo aspetto della vostra musica venga spesso frainteso?

Chi cerca i canoni classici del black metal sinfonico – inteso come epicità orchestrale, magniloquenza o atmosfere goticheggianti – rimarrà inevitabilmente spiazzato dal nostro operato, poiché il nostro approccio si muove in una direzione diametralmente opposta. Per gli ADVERSAM, i synth sono la massima espressione della voce del Daimon: vibrano sulle medesime frequenze dell'ombra e possiedono la capacità di toccare e destabilizzare gli stati più profondi della coscienza. Siamo consapevoli che non tutti sono pronti ad accoglierli, proprio perché richiedono una predisposizione all'ascolto interiore che va ben oltre il semplice intrattenimento. La nostra è una ricerca rigorosa, basata su una scelta meticolosa dei suoni e su interventi mirati, concepiti esclusivamente per integrarsi con l'oscurità della composizione. Siamo distanti anni luce da sound pomposi e derivazioni classicheggianti; per noi i synth sono fumo, nebbia e frequenze volte ad amplificare l'inquietudine psichica.

Gli ADVERSAM esistono dalla metà degli anni '90. Guardando indietro al percorso della band, quali principi artistici sono rimasti immutati nel corso degli anni e quali idee sul black metal avete invece consapevolmente abbandonato?

Ciò che è rimasto assolutamente immutato dalla metà degli anni '90 è l'integrità del nostro intento: l'idea che il black metal sia una forma d'arte profonda, esigente e priva di compromessi. A dire il vero, gli ADVERSAM non hanno mai incarnato i cliché superficiali legati alla ribellione giovanile o all'anti-religiosità. Il nostro è sempre stato un approccio analitico e ricercato a queste tematiche: non abbiamo abbandonato qualcosa, ma lo abbiamo elaborato nel tempo sino ad arrivare alla nostra visione odierna. Siamo consapevoli che il vero confronto con l'Ombra non si consumi attraverso la mera esibizione di simboli profani, ma nei recessi più reconditi della mente umana.

“Daimon” si occupa profondamente di trasformazione interiore e confronto psicologico. Ci sono testi, temi o passaggi dell'album che sentite particolarmente personali o emotivamente significativi per voi?

Essendo Daimon un'opera così introspettiva, ogni singolo testo conserva una forte valenza personale. Più che un singolo passaggio, è l'intera architettura lirica dell'album a essere significativa: il modo in cui affronta il crollo delle certezze e la successiva discesa nell'inconscio rispecchia dinamiche interiori che abbiamo vissuto in prima persona e canalizzato nell'arte. È un disco nato dalla necessità di dare una forma visibile e sonora ad aspetti interiori reali, rendendo l'intera esperienza estremamente vivida per noi.

“The Collapse Within” si percepisce come il culmine di molte delle idee centrali dell'album. Sapevate fin dall'inizio che questo brano avrebbe chiuso il disco o c'erano altri candidati per quella posizione?

"The Collapse Within" è stata concepita fin dal principio per occupare la traccia finale; non ci sono mai stati dubbi o altri candidati. Fin dal titolo, evoca quel collasso interiore che chiude idealmente il cerchio aperto da "Fall of Illusions". Se l'album inizia con la distruzione delle illusioni esterne, deve necessariamente concludersi con l'implosione delle barriere interne dell'Io. È il sigillo perfetto, una catarsi spietata che lascia l'ascoltatore nel silenzio e nella contemplazione delle macerie della propria coscienza.

Il black metal è diventato sempre più diversificato nel corso degli anni, spaziando dalle espressioni underground più grezze fino a interpretazioni d'avanguardia e post-metal. Dove collocate gli ADVERSAM nel panorama black metal contemporaneo?

Ci consideriamo in una posizione isolata e, in un certo senso, fuori dal tempo. Non apparteniamo alla corrente nostalgica che replica ciecamente il sound dei decenni passati, ma non ci sentiamo pienamente parte nemmeno delle derive post-metal o d'avanguardia più modaioli. Ci collochiamo in uno spazio autonomo, dove la crudezza primordiale del genere incontra una rigorosa profondità psicologica e concettuale. Non ci preoccupa dove posizionarci sulla mappa del mercato attuale; ci interessa solo che la nostra proposta rimanga autentica e perturbante.

Non avete mai dato l'impressione di pubblicare musica semplicemente per rimanere visibili o rilevanti. Nell'industria musicale odierna, mantenere questa distanza dalla pressione di dover pubblicare costantemente materiale è più un lusso o una necessità?

Più che un lusso, mantenere questa distanza per noi è una necessità vitale per preservare l'integrità e la profondità della nostra proposta. Nell'era dell'iper-connessione e del consumo bulimico di musica, l'industria impone una presenza costante, costringendo gli artisti a produrre contenuti a ciclo continuo pur di non essere dimenticati dagli algoritmi dei social o delle piattaforme di streaming. Cedere a questa frenesia, per quanto ci riguarda, significherebbe snaturare il senso stesso della nostra arte.

Il black metal che concepiamo ha bisogno di silenzio, di isolamento e di lunghi periodi di sedimentazione interiore. Pubblicare un album solo quando si ha qualcosa di autentico, urgente e viscerale da comunicare non è un vezzo, ma l'unico modo per garantire che l'opera finale sia densa, necessaria e priva di riempitivi. Preferiamo di gran lunga l'oblio temporaneo alla superficialità di un presenzialismo forzato: la nostra musica è concepita per sfidare e resistere al tempo, non per assecondare il flusso momentaneo e standardizzato del mercato.

La scena metal italiana — in particolare la sua ramificazione underground — si è evoluta parallelamente a quella globale, riuscendo costantemente a portare all'attenzione generale band altamente distintive e di nicchia. Molti saprebbero indicare diversi nomi unici italiani senza troppa esitazione. Come band che fa parte di questa scena da decenni, quali pensate siano le caratteristiche distintive che differenziano la scena metal italiana da quella di altri paesi?

La scena underground italiana possiede da sempre una peculiarità straordinaria: un'innata attitudine drammatica, quasi teatrale, unita a una profonda sensibilità artistica e storica. Viviamo immersi in un Paese dove la stratificazione del passato, la maestosità delle architetture e il contrasto tra il sacro e il profano sono ovunque. Questo bagaglio culturale si riflette inevitabilmente nelle band italiane più oscure, che raramente risultano piatte o derivative. C'è una ricerca costante della personalità, un'urgenza di esprimere un'oscurità colta e tormentata che ci differenzia nettamente da scene magari più standardizzate o focalizzate esclusivamente sull'impatto tecnico.

Se gli ascoltatori dovessero trattenere un solo pensiero, emozione o consapevolezza dopo aver vissuto “Daimon” dall'inizio alla fine, quale sperate che sia? Infine, vi va di lasciare un messaggio di chiusura per i lettori che vi scopriranno attraverso questa intervista e per coloro che già seguono il vostro lavoro?

Vorremmo che l'ascoltatore rimanesse investito dalla vertigine di una spietata ma necessaria consapevolezza: quella di aver demolito le proprie illusioni per guardare finalmente a fondo nel proprio abisso. Come dicevamo parlando di The Collapse Within, il disco si chiude deliberatamente sul silenzio e nella contemplazione delle macerie della coscienza.

L'emozione che speriamo resti impressa non è una sterile disperazione, bensì quel senso di solenne e lucida quiete che segue il crollo interiore. La consapevolezza, insomma, che solo accettando l'implosione del proprio Io e affrontando l'Ombra si possa raggiungere una reale e autentica trasformazione.

C'è un parallelismo esatto tra questo percorso intimo e la comprensione stessa della nostra musica. Apprezzare l'universo sonoro degli ADVERSAM richiede lo stesso identico sforzo introspettivo: significa spogliarsi delle aspettative di un ascolto superficiale o di puro intrattenimento, abbandonando i cliché più rassicuranti e collaudati del genere. La nostra proposta si rivela davvero solo a chi è disposto a far crollare le proprie barriere per accogliere un suono stratificato e destabilizzante; l'evoluzione della coscienza descritta nei testi specchia fedelmente l'evoluzione che chiediamo all'ascoltatore nel comprendere la nostra arte.

Con Daimon desideriamo raggiungere quel pubblico elettivo che non cerca la semplice fruizione musicale, ma un punto di riferimento in cui il black metal sia ancora una forma d'arte profonda, psicologica e perturbante. Il nostro obiettivo non sono i numeri, ma la persistenza del messaggio nel tempo, e l'essere ancora qui oggi a testimoniare questa evoluzione rappresenta la più autentica conferma del nostro cammino.

Vi ringraziamo profondamente per questo spazio e per lo spessore delle vostre domande, che ci hanno permesso di sviscerare l'essenza più autentica e recondita del nostro lavoro. A chi legge queste righe e avverte un richiamo verso i territori inesplorati della propria mente, rivolgiamo l'invito ad accostarsi a Daimon non come a un ascolto distratto, ma come a una vera e propria soglia da varcare. Lasciate che queste frequenze vi attraversino, e scoprite quale parte di voi risponderà dall'oscurità.

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